Капитолийский музей билеты, Музей Ватикана и Сикстинская Капелла в пятницу вечером
Нет, первые впечатления были не то, что бы однозначно негативными Аристей, Папий Молодой кентавр. Едва заметная деталь представленного произведения — сосуд для благовоний и его крышечка — однозначно идентифицирует женщину, помазывающую ноги Иисусу Христу, как Марию Магдалину это ее непременный атрибут в западной живописи. В Музее иллюзий приветствуются группы всех размеров. Данное произведение всегда являлось предметом особого внимания и интереса историков и скульпторов.
Однако необходимо понять, что именно здесь изображено, так как композиция странная: одна девушка несет на себе другую. Оказывается, подобных фигурок молодых женщин в такой позе известно довольно много.
С середины XIX века при раскопках античных памятников обнаружено около 40 похожих композиций. Аналог капитолийской — терракотовая скульптура в собрании музея Метрополитен Нью-Йорк. Она сохранилась лучше и позволяет понять сюжет.
Представлена игра, называющаяся эфедризм: задача заключалась в том, чтобы, кидая в установленный на земле мяч камешки, выбить его из отведенного поля.
Побеждала та данное развлечение было особенно популярно среди девушек , кому в конце концов удавалось это сделать. Играли обычно на пару, и потерпевшая поражение должна была пронести на себе победившую.
Именно этот момент привлекал мастеров. Примечательно, что спорт и атлетические упражнения имели в Античности огромное значение, до наших дней дошло большое количество изображений и в скульптуре, и в живописи всевозможных состязаний. Статуя Геркулеса. IV век до н. Бронза, позолота. Высота — Данная статуя найдена во времена понтификата Сикста IV — на так называемом Бычьем форуме. Это древнейший форум в Риме, находившийся на левом восточном берегу Тибра в ложбине между Капитолийским, Палатинским и Аветинским холмами.
От него сохранились храмы Геркулеса около до н. Капитолийский Геркулес, очевидно, создан в качестве культовой статуи храма в его честь.
Стилистические особенности произведения — пропорции, крупная и сильная моделировка — склоняют исследователей считать работу основанной на греческом оригинале, датируемом IV веком до н. Капитолийский Брут. III—I века до н. Высота — 69 Данный бюст — шедевр поздней этрусской портретной скульптуры, очень редкий по сохранности с инкрустированными глазами и неповрежденной поверхностью волос, щек, лба. Не может не восхищать мастерство античного скульптора.
Точная датировка работы вызывает у ученых споры. В историю Брут вошел прежде всего как низвергатель Цезаря, ставшего к концу своего правления истинным диктатором, задавшимся целью превратить Римскую республику в монархию. Брут олицетворяет идею бескомпромиссного служения свободе и одновременно… предательство. В свое время великий полководец защитил его и привлек к себе, но именно этот человек нанес ему смертельный удар.
В афористической форме идея предательства была сформулирована в риторическом восклицании Цезаря: «И ты, Брут? Шекспира, названной именем воителя. При этом часто ссылаются на рассказ о свершившемся убийстве в «Сравнительных жизнеописаниях» Плутарха в биографиях Цезаря и Брута. Однако там такой фразы нет но есть другие душераздирающие подробности его смерти.
Брут являлся уникальной личностью. События его полной драматизма жизни привлекали художников психологической силой. Плутарх писал: «Брут усовершенствовал свой нрав тщательным воспитанием и философскими занятиями и с природными своими качествами — степенностью и сдержанностью — сумел сочетать благоприобретенное стремление к практической деятельности, приготовив наилучшую почву для восприятия всего истинно прекрасного.
Вот почему даже враги, ненавидевшие его за убийство Цезаря, все, что было в заговоре возвышенного и благородного, относили на счет Брута, а все подлое и низкое приписывали Кассию, родичу и другу Брута, но человеку не столь прямому и чистому духом».
Капитолийский портрет поразительным образом передает сложнейшую душевную организацию героя. Это произведение — одно из ярчайших воплощений римского менталитета.
Венера Эсквилинская римская копия с греческой скульптуры. I век до н. Мрамор Античные скульптуры, изображающие Венеру — римскую богиню любви и плодородия, отождествляемую с греческой Афродитой, получили свои названия по определенным характеристикам или обстоятельствам обнаружения. По местам почитания Афродита и Венера имели эпиклесы эпитеты : Киприда, а также Кипрогения — от острова Кипр, где, согласно мифу, Афродита впервые вышла на берег; Пафия Пафийка — от города Пафос на Кипре; Киферия Цитерия — рожденная близ острова Кифера и другие.
Большинство древнегреческих статуй дошли до нас в виде римских мраморных копий с бронзовых оригиналов. Такие скульптуры названы по тем местам, где они были найдены. Данная работа обнаружена в при раскопках на Эсквилинском холме в Риме и с тех пор не меняла места хранения. Она не подвергалась основательной реставрации в отличие от других подобных изваяний: восстановить ее утраченные детали пытались, но имели место случаи живописной реконструкции.
Так, английский художник Эдуард Пойнтер воспроизвел скульптуру в своей картине «Диадумена», предположив, что статуя изображала женщину, подбирающую волосы перед купанием.
Он заключил это на том основании, что сзади на голове богини виден фрагмент руки — мизинец. Пушкина хранится гипсовая копия данной скульптуры. Статуя раненого воина. I век. Высота — Античной частью данной скульптуры является только торс.
Реконструкция, сделанная из его убеждения, что это фигура раненого воина, дополнила торс соответствующими атрибутами — мечом и щитом.
Перед зрителем — типичный образец ранее широко распространенной практики восстановления сильно пострадавшей от времени скульптуры, результаты которой всегда имеют противоречивые оценки. Образцом данной античной статуи считается знаменитый «Дискобол» до н. Некоторые исследователи даже называют этого воина его копией.
Вопрос в том, какой объем сходства подразумевает это понятие: в разные эпохи представления на этот счет отличались, но очевидно, что в Античности оно не подразумевало того сходства, которое в наши дни может инкриминироваться создателю копии как попытка подделки. Для воина, подвергнувшегося смертельной опасности, Монно изваял слишком спокойное лицо, исходя, очевидно, из убеждения, что такой настрой и величие духа греки сохраняли даже в самые страшные минуты.
Тем не менее известны статуи, выражающие страдания и боль. Аристей, Папий Молодой кентавр. Первая треть II века. Высота — Аристей, Папий Старый кентавр. Высота — Данные парные скульптуры передают различие душевного строя юности и старости: молодое существо радостно, пожилое — мрачно и подавлено. Надписи на статуях называют их авторами Аристея и Папия из Афродизии в Карии. В греческой мифологии кентавр — один из тех, кого Гомер назвал «дикими животными».
Его изображают с головой и торсом человека и телом лошади. Согласно мифологии, кентавры были потомками Иксиона, нечестивого царя лапифов, грубыми, пьяными и распутными. Они фигурируют в некоторых образцах раннего греческого искусства, а также в скульптуре и рельефах классического периода. Также кентавры могли произойти от примитивных и, по-видимому, варварских скотоводов Фессалии эти места были центром коневодства в античную эпоху , которые пасли свои стада верхом на лошадях.
Изваяния найдены Алессандро Фуриетти в при раскопках на вилле Адриана в Тиволи. Они оказались выдающимися экспонатами его богатой коллекции антиков. В свое время Фуриетти отказался передать скульптуры папе Бенедикту XIV в качестве платы за кардинальскую шапочку.
Собрание Фуриетти после его смерти было продано родственниками Капитолийским музеям. Венера Капитолийская I—II века. Высота — «Венера Капитолийская» — римская скульптура из мрамора, считающаяся повторением греческого оригинала — знаменитой статуи «Афродита Книдиская» Практителя после до н.
Она была обнаружена между и на Виминальском холме в Риме. Данное изображение определяется как Venus Pudica с латинского — «Венера скромная». История античного искусства знает целый ряд изваяний, представляющих богиню, стыдливо прикрывающую свою наготу например, «Венера Медицийская», то есть принадлежавшая Медичи в противоположность многим образам, открыто демонстрирующим совершенство тела.
После обнаружения названных Венер ведутся споры, какая из них является лучшим воплощением женской красоты. Очевидно, разрешить эти разногласия не удастся никогда: по крайней мере, эти две — одинаково совершенны. Марк Твен еще в в рассказе «Венера Капитолийская» остроумно описал проблемы, возникающие с восприятием и оценкой этой античной статуи. Конная статуя Марка Аврелия. Фрагмент — Высота — Каким образом представленная статуя Марка Аврелия просуществовала тысячелетие в неповрежденном виде?
Это объясняется тем, что в Средневековье ее считали изображающей… Константина I Великого, которого чтили как первого христианского императора, поэтому не разрушили в процессе борьбы с язычеством.
Первоначально скульптура была установлена на склоне Капитолия напротив римского форума. Лишь в XV столетии ватиканский библиотекарь Бартоломео Платина, исследуя изображения императоров на античных монетах, распознал личность всадника. Затем в папа Павел III приказал перенести статую, Микеланджело соорудил для нее новый пьедестал.
Позже изваяние установили в Капитолийском музее, а на прежнее место поставили ее копию. Данное произведение всегда являлось предметом особого внимания и интереса историков и скульпторов. В эпоху Возрождения оно оказало большое влияние на поздние творения Донателло и Верроккьо в жанре конной статуи. Исследователями отмечен разный масштаб фигур. Существовало предположение, что всадник и лошадь исполнены раздельно и должны были составлять единую композицию.
Но различие едва заметно и не бросается в глаза, можно даже считать, что оно преднамеренно и его цель — подчеркнуть важность наездника. Бюст императора Коммода в образе Геркулеса.
Конец II века. Высота — Данный бюст — один из самых знаменитых римских античных скульптурных портретов.
Он изображает императора Коммода в образе Геркулеса с его главными атрибутами. В правой руке — дубина, которая сама по себе порой является символом мужества. В античном, а иногда и более позднем искусстве правитель представлялся как на данном изваянии в плаще из львиной шкуры — трофея из первого подвига героя. Голова зверя образует подобие шлема, лапы связаны на груди.
В левой руке Коммода — золотые яблоки гесперид как напоминание о греческих празднествах в честь Геркулеса. В греческой мифологии он является персонификацией физической силы и храбрости.
Двенадцать подвигов, в которых была одержана победа над злом, — это отчасти миф, отчасти героическое сказание. Они отражают двойственную природу персонажа как бога и героя. Коммод гордился физической силой, все также признавали красоту императора.
Он заказывал свои скульптурные портреты в образе Геркулеса, считая, что является реинкарнацией этого античного бога. Удивительно сохранившаяся капитолийская статуя представляет собой сложную аллегорию: бюст обрамляют две коленопреклоненные амазонки у левой утрачена голова, но остальное в очень хорошем состоянии; от правой осталась только рука.
В центре — шар, украшенный знаками зодиака. Воительницы держат два рога изобилия, которые огибают герб, увенчанный двуглавым орлом. Скульптура найдена в XIX веке при раскопках в Ламианских садах разбитых Ламием , расположенных в верхней части Эсквилинского холма в Риме, там же, где была обнаружена знаменитая Венера Эсквилинская с.
Капитолийский галл — Высота — 93 «Капитолийский галл» — римская мраморная копия в натуральную величину бронзового изваяния из Пергама.
Считается, что оригинал являлся частью убранства Пергамского алтаря в Акрополе, возведенного в до н. Поскольку придворным скульптором царя был Эпигон, то есть предположение, что именно он — автор статуи.
Данная скульптура благодаря натуралистичности и драматизму принадлежит к вершинам античного искусства. Воин изображен лежащим на щите, нагим. На нем лишь шейное украшение, так называемый торквес — кельтское культовое ожерелье из бронзы, золота и драгоценных камней, которое носили вокруг шеи, талии, поперек груди, как браслет. В живописи и скульптуре оно является указанием на принадлежность владельца «кельтскому миру», потому данный персонаж идентифицирован как галл. Кроме приведенного названия работа известна как «Умирающий галл», «Умирающий раб» и «Галльский трубач».
По драматизму и выразительности эта скульптура — подлинный шедевр: истекающий кровью воин пытается приподняться, но силы покидают его и сознание угасает. Название «Галльский трубач» требует пояснения.
Оно возникло потому, что галл лежит на овальном щите, рядом с ним кроме меча буцина — античный духовой инструмент изогнутой формы, служивший для подачи сигналов. Наполеон в ходе итальянской кампании вывез представленную статую, она хранилась в Лувре, но впоследствии была возвращена в Италию. Триумф императора. Рельефная панель с триумфальной арки Марка Аврелия.
Около — Мрамор Первоначально этот рельеф, как считается, являлся частью отделки триумфальной арки Марка Аврелия на римском форуме на нем изображено, как квадрига направляется к триумфальной арке — естественно, Марка Аврелия. В VI веке рельефы арки были вмонтированы в стены церкви Святого Мартина там же на форуме. В по распоряжению папы Льва X их перенесли во Дворец консерваторов, а в установили на его лестнице; здесь они находятся поныне.
Рельеф замышлялся как выражение ликования по поводу побед над варварами не только самого императора Марка Аврелия, но и его сына Коммода, впоследствии также ставшего императором. Он несет на себе очевидные следы переработки композиции: изначально Коммод занимал место в квадриге по левую руку Марка Аврелия. После смерти убийства Коммода в ходе сильного политического течения по вытравлению его памяти из сознания масс фигура Коммода была удалена с барельефа. Во всяком случае, такова одна из гипотез, она объясняет малопонятный сейчас жест левой руки богини Виктории, парящей за спиной Марка Аврелия: в первоначальном варианте она, как утверждают исследователи, держала в ней венок над головой Коммода.
При этом, правда, утверждается, что она возлагает венок на Марка Аврелия, что не подтверждается данным изображением. Существует также мнение, что это не Виктория, а Гений, вдохновляющий императора на подвиги. Жертвоприношение Марка Аврелия храму капитолийского Юпитера. Мрамор Император на данном рельефе идентифицируется по портретному сходству с его прижизненными скульптурными портретами. Можно предположить, что рядом с ним — сын Коммод о нем — на с. Храм Юпитера на Капитолийском холме определяется по квадриге с богом, которая украшала его в эпоху Марка Аврелия известно, правда, что у здания было шесть колонн, а не четыре, как на этом рельефе.
Юпитер, бог войны и победы, здесь подразумевается в одной ипостаси, объединяющей в себе Stator с латинского — «Спаситель» , Victor с латинского — «Победитель» , Feretrius с латинского — «Несущий победу».
Этот статус предполагал триумфальное шествие к его храму и жертвоприношение. В Риме еще во II веке в жертву Юпитеру приносилась пища или напитки обычно вино и животные, как правило, вол символ покорности и трудолюбия, силы и терпения. Известную поговорку «Что позволяется Юпитеру, то не позволяется быку» правильнее переводить: «…не позволяется волу».
Акт заклания изображен на антаблементе правого здания, по-видимому, являющегося местом, где это могло происходить. Голова животного видна среди героев первого плана. В Лувре хранится рельеф начала II века с изображением гаруспиков жрецов , изучающих внутренности жертвенного вола именно перед храмом Юпитера Капитолийского. Театральные маски. II век. Высота — 74,6 Искусство античной театральной маски достигло высшей точки развития в эллинистическую эпоху.
Появление данного атрибута имело свои причины: во-первых, в театре дозволялось играть лишь мужчинам, а по ходу пьесы появлялись женские персонажи. Так возникла потребность в визуальном воплощении этих образов с помощью масок. Во-вторых, огромные размеры римских театров не позволяли рассчитывать на ясное понимание зрителем мимики актеров, с помощью которой передаются эмоции, и на помощь вновь приходили маски. Причем порой их приходилось менять во время одного монолога. В-третьих, чтобы представление воспринималось максимально ясно с большого расстояния, использовали котурны — обувь на очень высокой подошве, наподобие современной на платформе.
Капитолийская мозаика представляет собой замечательный образец искусства как мозаики, так и маски. Для выполнения главного предназначения — олицетворять разные как правило, диаметрально противоположные душевные состояния — маски соединяли в пары мужская — женская, трагическая — комическая. Именно в таком виде они стали символом театра во всяком случае, европейского. На данном произведении изображены маски, стоящие на цоколе стен, образующих угол насколько это возможно передать мозаикой.
Они смотрят в разные стороны, это подчеркивает их психологическое различие. Трагическая маска изображает женщину с большими глазами и широко открытым ртом, комическая — мужская, в ней радость, как и положено, преувеличена. В таком случае, как известно, физиогномические черты начинают походить на те, что характерны для противоположных эмоций например, не всегда можно понять, человек смеется или плачет. Лоза и ягоды винограда на голове мужской маски указывают на образ Диониса, с которым, собственно, и связывается рождение античного театра.
Фрагменты колосса Константина IV век. Мрамор Перед зрителем — фрагменты так называемой акролитовой статуи императора Константина I Великого колоссальных размеров. Точная датировка работы проблематична, датой создания первой версии называют —, однако примерно в она была переработана. Статуя задумана в стиле колоссов греческих богов, которые древние греки ваяли для своих храмов. В оригинале она являлась изображением императора, сидящего на троне. Сначала скульптура находилась в западной апсиде Новой базилики Максенция и Константина на северной границе римского форума.
Судить о ее исходных габаритах можно лишь гипотетически, ориентируясь на пропорции человеческого тела. Размер головы — 2,5 м, сохранились также ступни и кисти.
Таким образом, вычисляется размер статуи — примерно 12 м в высоту. Колосс разграбили в поздней Античности, скорее всего, из-за бронзы, которая использовалась для его создания. Мраморные части статуи были собраны Микеланджело и расположены у палаццо Консерваторов в Огромная голова изваяна в типичном абстрактном «иератическом стиле Константина». Ее трактовка демонстрирует синтез индивидуалистического портрета нос с горбинкой, выдающийся подбородок — известные черты всех образов Константина и позднего римского, для которого характерны символизм и абстрактность.
Тигр, нападающий на теленка. Первая четверть IV века. Цветной мрамор. Это так называемая пластиночная, или штучная, мозаика. Суть ее состоит в том, что вместо одинаковых по размеру кусочков смальты используются разные по форме и величине шлифованные пластинки мрамора или другого камня, перламутра и стекла. В базилике Юния Басса, построенной в в период его консульства, на Эсквилинском холме были созданы прекрасные образцы этого искусства и данное произведение, в частности.
Во второй половине V века при папе Симплицуиуме базилику переделали в церковь Сант-Андреа Катабарбара. Имя автора мозаики неизвестно, но то, что он являлся замечательным мастером, не подлежит никакому сомнению. Восхищают энергия и дикая сила тигра, экспрессия передачи борьбы. Здесь соединились черты натуралистичности и абстрактности, создав поразительный симбиоз.
В результате, перед зрителем — творение, которое вполне можно счесть образцом современного искусства. Мадонна с Младенцем. Вторая половина XIV века.
Дерево, темпера. В собрании Капитолийских музеев имеется еще одна работа художника — «Благовещение». Стиль творца определяется как готический. Гёте, — сколь значителен сам сюжет, рассказ о том, как многообещающий младенец, потомок древнего царского рода, — кому предназначено в будущем оказать громадное воздействие на весь мир, ибо оно приведет к тому, что старое будет разрушено и обновленное восторжествует, — как этот мальчик в объятиях преданнейшей матери и под охраной заботливейшего старца бежит и с Божией помощью спасается.
Различные эпизоды этого важного события изображались уже сотни раз, и многие художественные произведения, возникшие на эту тему, приводят нас нередко в восхищение».
В основе сюжета «Бегство в Египет» лежит евангельский рассказ. Лаконичное свидетельство Матфея постепенно обросло деталями в различных апокрифических текстах, ставших литературным источником для встречающихся в искусстве трактовок. Камплийский мастер придерживается канона, который выработался к XIV веку. Здесь три главные фигуры: Дева Мария едет верхом на осле , Младенец, которого мать держит на руках, и Иосиф, ведущий животное за поводья.
Их сопровождает и охраняет ангел иногда несколько. На картине есть персонаж, не упоминающийся в каноническом Евангелии, — юноша, идущий впереди. Считается, что это Иаков Меньший, старший сын Иосифа, названный впоследствии «братом Господним». Объяснение его присутствия в сцене «Бегства в Египет» можно в какой-то мере найти в обстоятельствах предыдущих событий жизни Святого семейства.
Так, в Протоевангелие Иакова упоминается о том, что на перепись в Вифлеем Иосиф отправился с детьми от первого брака: «сыновей своих запишу» Протоевангелие, У этой работы есть одна примечательная особенность: современники художника обычно изображали «Бегство в Египет» слева направо в соответствии с привычкой ассоциировать движение от прошлого к будущему с чтением слева направо , а Камплийский мастер нарушил эту традицию.
Никколо ди Пьетро Джерини около около Святая Троица — Будучи церковным живописцем, он создавал алтарные образы и выработал свой стиль трактовки пространства вертикальной прямоугольной доски. На данной картине Джерини представляет типичный со времен готики образ Троицы в виде крупной фигуры Бога Отца. Он находится позади и немного выше Иисуса, который распят, и держит в руках оба конца patibulum с латинского — поперечина креста.
У головы Бога Отца, написанного крупно, помимо круглого нимба, обычного для всех святых, треугольный — исключительно Его атрибут.
Художник изобразил Бога Отца молодым, похожим на Христа. Это выражение определенной теологической концепции: Творец и Законодатель — тот, о ком говорится в Ветхом Завете, кто предстал Адаму и Еве, Аврааму в жертвоприношении Исаака, Моисею и пророкам, в средневековом искусстве вплоть до XV столетия являлся Христом.
Вентура дель Моро — Коронование Девы Марии и ангелы — Дерево, масло. Перед зрителем — именно второй вариант. Позже он встречался на полотнах, созданных специально для алтарей церквей, посвященных Деве Марии или принадлежащих монашеским орденам, пользующимся Ее покровительством. Наиболее распространенная форма данного типа представляет Деву Марию, сидящую рядом с Христом, который надевает на Ее голову корону.
Центральная группа окружена хором ангелов, прославляющих Деву Марию. Двое в центре поют, четверо играют на духовых инструментах, два ангела в голубом на переднем плане — на струнных: правый — на лютне виден ее корпус , левый, вероятно, — на псалтериуме.
Пальма иль Веккьо около — Христос и грешница — Холст, масло. Большую часть жизни мастер провел в Венеции. Его произведения отличаются красивой композицией, уверенным рисунком, блестящим и теплым колоритом.
Сюжет для представленного полотна взят из Евангелия от Иоанна : когда Христос учил в Иерусалимском храме, фарисеи привели к нему женщину, пойманную в момент прелюбодеяния. По закону Моисея карой за это служило побитие до смерти камнями, однако римские власти лишили иудеев права приговаривать к такому страшному наказанию. Фарисеи хотели знать, что скажет Иисус, и надеялись получить ответ, который грешил бы либо против римского, либо против их собственного обычая.
Слова Христа обескуражили: «Кто из вас без греха, первый брось в нее камень». К этому сюжету художник обращался не раз: в санкт-петербургском Эрмитаже хранится еще одна версия. Римская картина в особенности заставляет говорить о влиянии Тициана: оно ощутимо в фигурах Христа и фарисея.
Тициан написал на эту тему картину «Динарий кесаря» —, Художественный музей Кельвин Грув, Глазго , но не она повлияла на трактовку Пальмы. Стоит также сравнить два варианта самого автора: на эрмитажном полотне взгляд Христа устремлен на фарисея и, следовательно, обращается к нему.
На капитолийской картине Иисус смотрит на зрителя и слова адресованы ему.
На основании стилистических особенностей кисти ему приписываются еще несколько работ, в частности, в Ферраре, где, возможно, он и родился.
Обручение Девы Марии с Иосифом, хотя о нем и не повествуется в канонических Евангелиях, является известной темой в христианском искусстве, сюжетом, иногда образующим часть цикла сцен из жизни Богоматери. Ворагинского — важный для живописцев Средневековья и Возрождения литературный источник. В ней говорится о том, как Иосиф был выбран из большого числа мужчин по знамению — прут обычно изображается в виде посоха в его руках чудесным образом расцвел. На капитолийской картине виден также снизошедший на посох голубь Святого Духа.
Необычайное событие наблюдали семь дев, находившихся с Марией все то время, пока она воспитывалась в храме. В сцене обручения первосвященник стоит между Марией и Иосифом, который традиционно зрелого возраста, но необязательно седобородый, как на ренессансных полотнах со сценами Рождества.
В толпе свидетелей выбора Богом Иосифа — остальные претенденты. Самые известные живописные трактовки данного сюжета — работы Перуджино и Рафаэля, учителя и ученика, написанные одновременно первая — в —, вторая — в Картина Мастера двенадцати апостолов свидетельствует о его явном знакомстве с этими шедеврами.
Гарофало Бенвенуто Тизи ? Из инструментов по правую руку Мадонны зритель видит кифару, свидетельствующую о существовавшем интересе к античным музыкальным инструментам в свое время Рафаэль сделал попытку изобразить кифару на фреске «Парнас» в Станца делла Сеньятура в Ватикане , блок-флейту и лютню; по левую — готическую арфу и орган.
Богоматерь с Младенцем на облаках показаны над некой местностью с ее постройками и обитателями. Это иконографический тип — Мадонна — покровительница города. На переднем плане — два монаха францисканца. Правый — Франциск Ассизский, помимо рясы ордена, подвязанной трехузельной веревкой, у него имеются традиционные атрибуты — крест и, главное, стигматы — раны на руках, ногах и в боку, которых он сподобился в мистическом общении с Христом. Они повторяют раны Христа на кресте.
В левом нижнем углу изображены еще два монаха. В правой части зритель видит, как на мост входят фигуры — вероятно, мужская персонажи очень мелкие , а за ней женская, верхом на осле. Если это так, то, очевидно, имелись в виду Иосиф и Мария, и это может означать путешествие Святого семейства на перепись в Вифлеем.
Джироламо да Карпи — Портрет зрелого мужчины — Картины мастера — выдающиеся образцы портретной живописи, для которых характерен свойственный маньеризму резкий контраст между спокойной неподвижностью модели и ее внутренней напряженностью, порой затаенным отчаянием.
Кто изображен на данном полотне, неизвестно, но, безусловно, это сильная личность. Лицо мужчины высвечено и сразу привлекает к себе внимание, контрастируя с темными фоном и костюмом. Еще одна особенность портрета — жест левой руки, а главное, форма кисти и пальцев. Они очень длинные, особенно мизинец. Если это не просчет художника, то такое строение должно вызвать интерес к профессии человека: не музыкант ли он? Стиль полотна напоминает подобные работы Тициана, например «Портрет молодого человека» середина х, Палатинская галерея, Флоренция.
Интересно, что сходство моделей может объясняться тем, что они — феррарцы. Последние исследования установили: на картине Тициана запечатлен Ипполито Риминальди, юрист из Феррары.
Для да Карпи же было естественным изобразить жителя своего города. Джироламо Сичиоланте да Сермонета около Сидящая женщина Считается, что он учился у Леонардо да Пистоя.
Активная деятельность живописца протекала в Риме, его творческое наследие — это, главным образом, картины на религиозные сюжеты. Вместе с тем мастер создал несколько полотен с обнаженной женской натурой. Как правило, художники Ренессанса, желая ее изобразить, выбирали для своих работ подходящий сюжет, чаще античный — всевозможные «Венеры» как у Тициана или «Лукреции» как у Лукаса Кранаха Старшего.
В меньшей степени повод для написания такого рода произведений давала Библия «Сусанна и старцы», «Лот с дочерьми», «Адам и Ева». До конца эпохи Возрождения «внетематические» изображения обнаженной женской натуры существовали лишь в рамках профессиональных штудий мастеров. Капитолийская картина — не этюд и не набросок, сделанный с целью отточить живописную технику. Это законченное полотно, портрет реального лица, и нагота модели вносит определенные психологические «обертоны» в восприятие зрителем личности.
Якопо Бассано около — Добрый самаритянин Бассано являлся значительным членом династии и представителем венецианской школы, возглавлял обширную мастерскую, где работали его сыновья — Франческо, Джамбаттиста, Леандро и Джироламо.
Творец вошел в историю искусства как создатель жанра сельской, крестьянской сцены, пользовавшегося огромным успехом у современников и коллекционеров XVII века. Притча о добром самаритянине была рассказана Христом в ответ на вопрос одного законника: «А кто мой ближний? Священник и левит прошли мимо, отведя от него взгляд, а самаритянин, традиционный враг евреев, остановился и после того, как омыл и смазал его раны, доставил в гостиницу, дав денег ее содержателю, дабы тот должным образом позаботился о пострадавшем.
Средневековые авторы, следуя «Вопросам на Евангелие», выводили иную мораль: путник олицетворял человека, покинувшего рай Иерусалим , его одолел грех. Иудаизм священник и левит не спас его, но Иисус самаритянин принес ему спасение через Церковь гостиница. В ранних образцах самаритянин предстает в облике Спасителя. Данная тема была популярна в христианском искусстве всех периодов. На картине путник лежит на обочине дороги, о нем заботится самаритянин, который льет масло на раны и перевязывает их.
Паоло Веронезе — Аллегория Мира — Творчество мастера завершило золотой век изобразительного искусства. Об аллегории в искусстве можно говорить как в широком смысле, так и в узком. В сущности, всякое произведение является аллегорией, поскольку через художественные образы доносит определенные идеи.
Но, кроме этого, иносказательное воплощение в живописи получили многие понятия как религиозного, так и светского содержания. Был выработан репертуар аллегорий и разработана система символов для их воплощения, созданы специальные словари и справочники, объясняющие такой визуальный «язык». Аллегорически выражены моральные и нравственные принципы христианские добродетели, добро и зло , времена года, возрасты человека, науки.
Веронезе написал несколько картин с аллегорией Мира, помимо капитолийской, известна его поздняя работа «Триумф Венеции с аллегориями Мира и Справедливости» — В системе светской аллегории фигура Мира, празднующего окончание войны, — олицетворение хорошего правления или миротворческих качеств государственного деятеля. На сей раз мастер ограничился очень небольшим числом атрибутов: героиня держит двумя руками копье, причем так, что будто нейтрализует его возможное разрушительное действие.
Доспехи уже не нужны. Масличное древо и его ветвь, согласно эмблематическим справочникам XVII века, символизируют спокойное время, благоденственное царствование и возвещение мира. Бартоломео Пассеротти — Двойной портрет музыкантов — Вернувшись в свой город, живописец организовал собственную, под его началом трудилось много творцов.
Тем самым Пассеротти оказал значительное влияние на развитие болонской школы живописи барокко. Картина атрибутируется как портрет двух музыкантов. Между тем, о данной профессии можно смело говорить, глядя на молодого человека: у него в руках так называемый изогнутый корнет — распространенный в эпоху Возрождения духовой инструмент. Пожилой мужчина не имеет никаких «говорящих» атрибутов. Кто он и в каких отношениях находится с корнетистом? Наставник или, быть может, его отец?
Как бы то ни было, на их лицах можно разглядеть некую печать принадлежности к музыкальному «цеху» — печать, которую, как известно, несут на себе представители разных профессий и сфер деятельности. Лодовико Карраччи — Портрет молодого человека — Крипта находится среди руин театра и знакомит со всей эволюцией города.
Дворец Альтемпс примечателен коллекцией скульптур. Капитолийские музеи. Комплекс, история которого началась еще в 15 веке, занимает три дворцовых помещения. В нем представлены археологические артефакты, скульптуры, древнеримские драгоценности, Капитолийская пинакотека. Национальная галерея античного искусства. Галерея Боргезе. Одну из самых живописных мировых коллекций начал большой ценитель искусства, кардинал Сципионе Боргезе.
Чтобы заполучить очередное полотно, он был готов на любые расходы и махинации. Сейчас в Галерее находится крупнейшее собрание работ Караваджо и Бернини в мире. Национальный этрусский музей. Это самый большой в мире музей истории этрусков, который рассказывает о культуре и быте исчезнувшей цивилизации.
Замок Святого Ангела. В бывшей тюрьме, которая помнит Галилея и Джордано Бруно, представлена оружейная палата, библиотека, сокровищница и личные комнаты Пия V. Со смотровой террасы открывается вид на древний город. Индивидуальная экскурсия в Галерею Боргезе — познай Бернини и Караваджо. Рим для круизников — экскурсия с трансфером из порта Чивитавеккья. Экскурсия в Ватикан и замок святого Ангела на рассвете — подъем на купол собора святого Петра. Экскурсия с Итальянцем в Калькату, Тревиньяно и озеро Браччано.
Христианские катакомбы Рима — индивидуальная экскурсия к святым. Экскурсия на озеро Браччано из Рима к замку Одескальки и в музей самолетов. По следам фильма Великая Красота: обзорная экскурсия по Риму на автомобиле. Город Папы Римского — индивидуальная экскурсия по христианскому Риму. Погружение в район Трастевере: история Италии, рестораны, лучшая пицца Рима.
Экскурсия из Рима в Орвието и Баньореджо — сказочные города Умбрии. Христианская экскурсия в комплекс святой Агнессы за городскими стенами. Экскурсия в Капитолийские музеи в Риме — по стопам римской волчицы.
Один день с итальянцем: мастер-класс Тирамису и пасты, в гостях у настоящего римлянина. Экскурсия по Риму на рассвете 2: фонтан Треви, Испанская лестница, Навона. Познавательная экскурсия в Риме для детей — охотимся за животными в центре Вечного города.
Гулять и готовить пасту и тирамису с итальянцем в Риме — кулинарный мастер-класс. Тур в Умбрию из Рима — удивительное путешествие в край винограда и трюфелей.
Уже 10 лет организуем Ваш идеальный культурный отдых в стране солнца и вина!
